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酒と女と『洋酒天国』

今年に入って時折、シェリー酒なんていうのを飲んだけれど、その他はほぼ確実に、毎夜、ウイスキー一辺倒である。スコッチとアイリッシュである。スコッチは、シングルモルトのグレンリヴェットが美味かったし、いま飲み続けている12年物のザ・バルヴェニーも、スコッチならではのコクがあって美味い。思わず唸ってしまう。  アイリッシュはオールド・ブッシュミルズのブレンデッド。こちらはつい先日、空瓶になった。酒に関しては、日本酒の地酒よりもアイリッシュのラベルの方が親近感がある。おかげでここ最近は、サントリーのトリスも角瓶も遠のいてしまっていて、ジャパニーズ・ウイスキーを忘れてしまっている。あ? そう、かれこれしばらく飲んでいない「山崎」も「白州」の味も、もうてんで憶えちゃいないんだな、これが…。とここはひとまず、肴にもならぬウイスキー談義で嘯いておこう。
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 お待ちかね壽屋PR誌『洋酒天国』(洋酒天国社)第4号は、昭和31年7月発行。表紙はお馴染み、坂根進氏作のフォト&イラストのコラージュ。  昭和31年(1956年)は、“太陽族”や“ゲイボーイ”といった言葉が流行った年である。ちなみに“太陽族”(タイヨウゾク)とは何のことでございましょう? もはや死語に近いと思われるので、語源について書いておく。  同年、第34回芥川賞を受賞した石原慎太郎の短篇小説『太陽の季節』が新潮社から刊行された。この短篇小説は大いに物議を醸した。そこから“太陽族”という言葉が生まれたのだけれど、ここでは敢えて、Wikipediaからその意を引用してみる。
《『太陽の季節』の芥川賞受賞を受けて『週刊東京』誌で行なわれた石原慎太郎と大宅壮一の対談で、大宅が「太陽族」との言葉を用いたことから、特に夏の海辺で無秩序な行動をとる享楽的な若者(慎太郎刈りにサングラス、アロハシャツの格好をしている不良集団)のことを指す言葉として流行語化した》 (Wikipedia“太陽の季節”より引用)
 “太陽族”のみならず、社会の乱れた風紀を取り締まる、という公安的気概が、この時代にはあった。時代の要請でもあった。私は溝口健二監督の遺作映画『赤線地帯』(主演は京マチ子、若尾文子、木暮実千代、三益愛子)が好きである。あれも5月に公布された“売春防止法”に絡んだ話であった。この年の7月には、横山光輝の「鉄人28号」が月刊『少年』(…

perrot第4回公演の過剰でとてもおいしい演劇

【演劇『今日は砂糖の雨が降るから』】
 観た演劇の面白さや感動を文章にして書くことは、とても難しい。難しい作業である。昨日観たばかりの演劇を、どう書いたらよいか。どう文字を連ねてよいだろうか。
 外はしきりに雨が降っている。ともかく、適切な言葉が思い浮かばないのだ。そう、こんなのはどうだろう。「とてもおいしい演劇」。サクマのいちごみるくキャンディーを口に放り込んで、次第にそのイチゴ味が口いっぱいに広がっていくあの子供の頃の幸せな感じを、どう言葉で伝えたらよいか悩むのに、よく似ている。
 「とてもおいしい演劇」。その一言が浮かんでから、後が続かない。どうにもこうにも後が続かない。決して、思考が途絶えたせいではないだろう。実際その逆で、どんなに頭をフル回転させても、言葉が思い浮かばないのは、もっと違う理由があるからだ――。

 くどくど言うようだが、さりとて、そんなに悩む演劇を、私は書かずにはいられないのだ。文字にしてやる。文章にしてやる。これを書かずして、私はなんのために足を運んだというのか。何が何でも書いてやる。
 でも、面白かったです、感動しました~、では済まないだろう、と思っている。そう思うと同時に、屁理屈としては、〈演劇なんていうのは、劇場に足を運んでナンボのもの。直接自分で観て《体感するもの》であって、第三者に無為に、その豊かな中身を繊細に緻密に伝えようとするのは、主催者側の本意に反することかも知れないじゃないか〉とも思った。
 いずれにしても演劇というのは一般に、その不思議な体感の在処を、第三の傍観者に語ることも伝えることもできないものなのだという確固たる諦念が、頭をよぎる。一方においてそれに抗い、立ち向かい、批評という精神の困難な山を登頂すべく、あらゆる思考的要請を総動員させるという軋轢、不和、その矛盾――がある。しかしながら私が観たあの演劇には、そのどちらも肯定しうる何かが、そこにあったような気がするのだ。結局私は今、考えあぐねた末、あの演劇に対する批評的立場と行為を完全に放棄したうえで、自らが関知するにとどめる「覚書」として、ここにそれを書き残すことにした。

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 その演劇とは、いわもとよしゆき作・演出のperrot第4回公演『今日は砂糖の雨が降るから』である。会場は東京・王子駅に程近い、花まる学習会王子小劇場。ここはいわゆる小演劇のメッカだ。
 このperrot第4回公演『今日は砂糖の雨が降るから』のあらすじだとか、キャスト陣の紹介などというものを、思い切って、思い切って省いてしまおう。こうして私が何も語れなくなったところから、何かを見いだし、そこから何かを語ること以外に方法はないのだから。ただし、これだけは書いておこう。perrotの“劇団プロフィール”だ。とても重要な内容だ。以下、それを引用してみる。

《劇団プロフィール ――忘れられない嘘をつく。主宰・いわもとよしゆきを中心に2014年に旗揚げ。固定のスタッフチームで作品制作をおこなう演劇ユニット。「枠の越境」をテーマに活動する。センチメンタル過剰な世界観と言葉あそびから日常の中の非日常を描き出す作風が特徴。「どうしようもない」をどうにかしたい・「信じられない」を信じてみたい、ぶきっちょでおかしなヒトたちの自意識まみれのさびしさを泥だらけの希望でくるもうと悪あがきする、あきらめの悪いヒトのあつまり》

 うーん、面白かったです…感動しました~…とてもおいしい演劇!…とてもおいしい演劇?…なんだよそれ、ちゃんと観てんのかよ!そんなくだらねえ感想言ってんなよ!どうしようもねえだろそんなんじゃあ!おまえらの演劇愛ってそんなもんかよ!俺たちの生きてるっていうこと、今に生きられるっていうこと、マジでもっと考えようぜ。嘘だらけだろみんな!本当のこと言ってくれよ、何が大事で何が大嘘で、しあわせとか、やりたくねえこととか。俺、おまえが好きでたまんねえよ!っていう気持ちを相手にはっきり言えない奴は、演劇観る資格なんかねえんだよ!出て行け、ふざけんな!――。

 私はあの“劇団プロフィール”を、そんなふうに勝手に、conversionしてみたのである。でもあながち、間違ったconversionではない気がする。無論断っておくが、そんな言葉を吐くような悪い人達の集団ではない。読まれる方、誤解のないように。

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【花まる学習会王子小劇場のある通り】
 ところで私は、“オープン・ワールド”のテレビ・ゲームが大好きである。私の好きな“オープン・ワールド”のテレビ・ゲームは、大まかに言えば、アメリカのとあるゴージャスな都市やその近郊の豊かな自然をリアリスティックにCG化し、その空間をプレイヤーが自由に歩き回ったり走り回ったり、自動車やバイクあるいは自転車でドライブしたり、海や川や湖で泳いだり、ボートを操縦したり、滑走路から飛行機を操縦して空を飛んだり、街にあるアミューズメント施設で遊んだり、酒に酔ったり、家(プレイヤーが住む家)でテレビのアニメをちまちまと観たりすることができる。そうしたリアリスティックな仮想生活を進行させる中で、街ではいろいろなアクシデントが発生し、大小のエピソード・ドラマに巻き込まれたり介入させられたりと、壮大なストーリーが展開されていく。

 『今日は砂糖の雨が降るから』の演劇は、そんなようなCGの“オープン・ワールド”に、ぽんと入り込んでしまった感のある、未来のどこかの世界の物語であったと思う。ヒトは“ブリキ”というアンドロイドをつくったけれど、その存在性に嫌悪を抱き、やがて否定的なスタンスを取る。彼ら“ブリキ”を卑しめ、対立化し、イデオロギー闘争が始まった、というのが物語の入口。その世界ではかろうじて、人々が注目して已まない人気絶頂の“ブリキ”アイドルが存在するが、何者かによるアイドル破壊テロ事件が勃発してしまう。

 この演劇は――あるいは演劇ユニットperrot自体は――そもそも、ストーリーの起承転結を見せるというよりも、むしろその劇から漂う灰色で靄のかかった空気感であるとか、皮膚感覚から伝わってくる人間の痛みや震えのようなものを観客が「採集」し、細胞レベルで感知していくような、そういう観客側の感覚的「採集」を伴った演劇、だったのではないか。
 観客の「採集」する空気感や皮膚感覚によって、『今日は砂糖の雨が降るから』の全体のとらえ方は大きく違う。これはもしかすると、作者の無意識の企図だったのかどうか分からないが、我々観客は確かに、この演劇を観たというより、この演劇に「アクセス」したのである。

 今やありふれた皮膚感覚となっている、コンピューターへの「アクセス」するというかたち。ネットワークにつながっているということが、我々の意識・無意識にかかわらず平易な日常生活の中で営まれていることの、情報「採集」社会。その過剰な「アクセス」によって引き起こされるモラルの問題は多々あって、人と人とのコミュニケーションの信頼感や安堵感と引き合いに、意図しないプライヴェートな情報の流出と拡散で、たちまち社会的信用を失うといった致命的なデメリットと常に対峙しなければならず、ある種の居心地の悪さは拭えない。
 こうした現代人の、モノゴトへ過剰に「アクセス」する社会の特殊性(これがもはや特殊ではなくなっている)がよりいっそう人間本来の皮膚感覚を敏感にさせ、旧来と比較して鈍感ではいられなくなった、とは言えないだろうか。つまり心に直結した肉体の感覚こそが、皮肉にも情報「採集」社会の現世では、重要になってくるのだ。私が先に述べた“オープン・ワールド”のゲームの肝は、散らばってゴースト化している状態のモノゴト(=フラグ)を、自活的に歩き回って「採集」することにあり、自活的に動き回らなければ、ストーリーは先に進展しない。モノゴトを「採集」することが不得意な人は、そうしたゲームを、いやまさしくこの社会を生きていくことは、できなくなってしまったのである。

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 『今日は砂糖の雨が降るから』は、その劇の中に散らばったモノゴト(=フラグ)を我々観客が感覚知として掻き集め、まったく新しい未知なる秩序世界のオリエンテーションに十中八九はまっていってしまったのだから、「とてもおいしい演劇」なのだ。その秩序世界の観念的語彙や意味、あるいは相対的な構造というものを、観客は率先して「採集」し把握しなければならなかった。このことで感覚的目眩ましに合う。ここで素晴らしいと思ったのは、作者が書き上げた日本語による会話台詞の縦横無尽さを、それぞれの役者が実に音声的に表情的にしぐさ的に、まるでコンピューターのようにリアルに再現していたことである。また場面の展開からさらなる展開への交差や切り返しの妙という点において、まったく小スペースでありながら高い位置にあるキャット・ウォークの舞台装置がそれらをいっそう複雑に見せ、まさに王子小劇場ならでは、と言うべき重層的演出を感じることができた。

 ヒトと“ブリキ”という寓話的な秩序世界が、あまりにも空想的かつプラクティカルで、しかもポリティカルに即していることから、その彼らのいう「過剰な世界観」はあくまで「過剰でない世界観」の代理でなければならず、現実世界の日常の、悩ましい観念の数々がそこにしっかり投影されていたことも忘れてはなるまい。つまりどういうことかというと、ヒトはすべてを愛し、すべてを解決に導くことができる、ということである。
 この世がそうでないというのなら、私はいったい何を信じて生きていけばいいのだろうか。それはきっと、彼らの言葉を借りるところの、「おかし」ではなく「おかしな」はなしになりはしないか――なのだ。

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ファミコンの思い出―プロレス

深田洋介編『ファミコンの思い出』(ナナロク社)を読んでみると、その熱い思い出を語るほとんどの方々が、1970年代生まれであるという事実に、言葉では言い尽くせない共時性の発見があって面白い。
 ファミコンすなわち任天堂の8ビットテレビゲーム機「ファミリーコンピュータ」の歴史を簡単にたどってみる。  小豆色がイメージカラーの華奢な本体が1983年夏に発売開始され、徐々にヒット商品となり、85年までに650万台以上が販売されたという。ちなみに、1983年はどんな年であったかというと、NHK朝の連続テレビ小説『おしん』の大ブーム、東京ディズニーランドの開園、そして田原俊彦の「さらば…夏」が第14回日本歌謡大賞のグランプリを受賞した年だ。  ファミコンの全盛期はおそらく86年頃だと思われるが、発売開始から約10年後の1994年に新作ソフトの発売が終了されるまでの期間は、まさに70年代生まれの世代が小学生から成人になるまでの成長期とほぼ合致しており、この団塊ジュニアと言われる世代の、衣食住に浸透しきったファミコン依存度は頗る夥しいと言わざるを得ず、極論すればファミコンは、70年代生まれの世代にだけ付与された電子玩具信仰だったわけである。
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 閑話休題。ファミコンのゲームで私が最も熱狂したのは、任天堂のディスクシステムで1986年に発売された、『プロレス』だった。当時の熱狂的なプロレスファンであればこのゲームにかじりつくのは自明で、これ以前に発売されていた『キン肉マン マッスルタッグマッチ』だとか『タッグチームプロレスリング』でなんとなく消化不良を感じていたプロレスファンは、この『プロレス』の発売で誰しもが溜飲を下げたことだろうと思う。
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kissでこの世が終わる時―キコ/qui-co. the rat 13-11

工業高校の3年生だった1990年の9月26日。  それは学校の帰り――。友達に連れられて、雨の降る中、下北沢のスズナリの、どうにもならないほど狭いスペースにて、ぎゅうぎゅう詰めの観客の群れに肩や腕を揉まれながら座布団に尻を付けて“胡坐”(あぐら)状態で、演劇を観た。善人会議(現・扉座)の公演『まほうつかいのでし』。  それは魔法使いの弟子が、いっぱしの魔法使いになるために、人間を利用し、洪水をおこさせようとする話。でもこの選んだ人間が、アパート暮らしのぐうたら青年で、魔法使いの弟子の活発な行動癖に興味なく引きこもってしまっている。ところがこのぐうたら青年のイマジネーションの産物が、思いもよらぬ事態へと発展する――。
 “胡坐”で演劇を観たのはたぶん、あれ一度きりだった。高校時代に駆け込んだスズナリの、そのアウトオブバウンズな記憶のレイヤーを重ね合わせつつ、先週の9月16日、世田谷区・下北沢駅前劇場にて、キコ/qui-co.(主宰・小栗剛)の演劇公演『the rat 13-11』を観たのだった。  こうして私が下北沢で演劇を観るのにやって来たのは、本当に久しぶりのことであった。井の頭線の下北沢駅は駅舎工事の最中で、その分、周囲の風景はやや雑然として不均衡であった。しかし、行き交う若者達の表情は明るい。きっとこの空気は、この街の永年変わらぬエネルギッシュな射影なのだろう。ヴィレッジ・ヴァンガードでお気に入りのアイテムを見つけた。が、開場時間がまもなくであることに気づき、店を出る。近いうちにまたここに来ることをここで約束される――。
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キコ/qui-co.の『the rat 13-11』を観た。2本立て公演であり、私が観たのは片方の「the rat 11」。  ――あれから1週間。私がすぐにこの舞台の感想を書くことができなかったのは、個人的に1年以上にわたる、ある「愛の錯誤」の問題を片付けようとしていたからだ。第三者をまじえて、この問題は解決の糸口が見出されたかにも見える。しかし、まだ終わったわけではなかった。愛の問題に終わりはないのだ。尊いはずの愛は、人を幸せにもし、傷つき、不幸にもする。まだ私の心は、落ち着きを取り戻してはいない。  それでもなんとか、あの舞台で起きたことに向き合いたい。向き合うことで、何らかの傷痕を縫合したいと願う。今だから、その第一歩を踏み出…

YELLOWSという裸体

ざっくりと大まかに言ってしまえば、まだ1990年代初頭の頃は、テレビのワイドショーでも“ヌード”が“語られる”大らかな時代であった。五味彬氏の“YELLOWS”シリーズがテレビで話題になると、私自身も単純な興味本位から、風雅書房出版のそれらの写真集をなんとか入手しようと躍起になった。しかし、都内の紀伊國屋であるとか丸善であるとか、あるいは神保町界隈の美術書専門書肆で、あの大判の写真集を直に買い求めることは、私には到底できなかったのである。

 “YELLOWS”とは一体どんなシリーズであったか。

 いわゆるシロウト、プロのモデルではない一般の若い女性達を100名募り、一人ずつスタジオの中で蝋人形のように無機質に直立させて、その全裸姿を、正面、背面、側面のアングルから写真に収めるといった国内では前代未聞の画期的な企画であり、若い日本人女性を美術解剖学的に標本化しようとした大真面目なプロジェクトであった。
 ただし、ワイドショーその他のメディアでは、全裸しかも女性のピュービック・ヘアを露出させた「衝撃の」写真集としてのみ話題になって、それが黄色人種の日本人であろうとなかろうと、身体を写真として標本化し、それぞれの女性の体型を比較対照するといった科学的な見地と関心は、まったく度外視されてしまったのだ。

 後年、私はこのシリーズのうちの『YELLOWS 2.0 Tokyo 1993』を入手することができた。が、実際に本を開いて写真を見たところ、想像していた写真とはだいぶ違ってリアリティがなく、100名の女性の全裸に圧倒されることはなかった。それは何故か。

 この写真集の冒頭には、11人もの錚錚たる著名人が解説を寄稿している。飯沢耕太郎氏の解説の中に、そのヒントが隠されていた。

《どこにでもある撮影現場の雰囲気なのだが、やや変わっているのは三脚に据えられたカメラからコードが伸びて、ビデオ・モニターやパソコンと接続していること。電子スチルカメラのシステムを使っているため、シャッターを切るとその瞬間の映像がモニターの画面に出てくる。わずらわしいポラロイド撮影などする必要がなくて便利である。デジタル化して記録された情報は、あとでプリント・アウトすることもできる》

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拝啓心霊写真様

私がまだ小学校へ上がらない頃のことだから、1970年代後半の古い話なのだが、幼少だった私はある心霊写真というものを見て、その怖さのあまり、夜な夜な一人で居られなくなるような思いをしたことがあった。それは2つの有名な心霊写真だ。  そもそも、そんな心霊写真をどこで見たのかというと、ある雑誌の付録の、小冊子だったと記憶する。その付録の小冊子はまさしく心霊写真特集となっていて、その中にこの2つの心霊写真が掲載されてあった。  その頃の心霊や超能力ブームは凄まじいもので、その雑誌は“明星”だったか“平凡”だったか、その手のアイドル雑誌だったと思うのだが、そういうスマートな雑誌でも当たり前のように心霊写真を掲載して煽っていた。
 3年前の当ブログ「左卜全と心霊写真」で紹介した本、中岡俊哉編著『続 恐怖の心霊写真集』(二見書房・サラブレッド・ブックス)に再び登場してもらう。  そこにその2つの心霊写真が掲載してあった。当時のこうした心霊・超能力ブームを煽った火付け役が、この本の著者である中岡俊哉先生だったのである。
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 幼少だった私が初めて心霊写真というものに出会った写真が、この「鬼のお面」の写真だ。
 そこは東京・葛飾区の幼稚園。昭和50年に撮られた写真。私とあまり変わらない年頃の子供達が節分の日であろうか、画用紙に鬼の画を描いて切り取って、自慢げに整列した「鬼のお面」の記念写真。
 右側の背景の下駄箱の上の窓ガラスに、中岡俊哉先生が指摘する“霊体”が写っている。中岡先生の説明では、この霊体は園児に関係のある女性、なのだそうだが、私の眼には髭を生やした近所のおじさんにしか見えなかった。
 不気味といえば不気味なのだけれども、さほどではなかった。  むしろ私が震え上がったのは、この近所のおじさんではなく、21人の園児の持つお面の方であった。これはどう見ても霊体の顔より怖い。何故これほどまでにリアリスティックな鬼なのだろうか。  鬼の顔がどの子もほとんど皆同じ作りで、目がつり上がり、口が大きく裂けている。角と角の間には、毛糸のような繊維状のもので見事に鬼の髪の毛を模しているから相乗効果がある。当然、この髪の毛は書き加えたのではなく、繊維をくっつけて立体的にリアルにしたものだ。鬼の顔の大きさも園児の顔より遥かに大きく、21の鬼の顔はこちらを見つめて笑っているかのようである。 …

人生ゲームと約束手形

※以下は、拙著旧ブログのテクスト再録([Kotto Blog]2011年3月1日付「人生ゲームと約束手形」より)。

 学生時代までに所有していた無数の古いボードゲームは、以前オークションなどでほとんど売却したものの、前に紹介した「シークレットポリス」や「人生ゲーム」の各種(ヴァージョン違い)はなかなか手放すことができず、今でも眠った状態になっています。  ミルトン・ブラッドレー社の「GAME OF LIFE」(=人生ゲーム)の初代盤が私にとって生涯初めてプレイしたボードゲームで、アート・リンクレター氏の肖像写真がとても印象に残っています。彼の肖像は備品のドル札の顔写真にも登場しています。
《2,500ドルをもって人生のコースをスタートし、さまざまな成功、失敗、仕返しを繰りひろげながら早く億万長者になったひとが勝つゲームです》
 子供から大人まで楽しめるボードゲームとは言うけれど、いま考えてみれば、「人生ゲーム」はかなり大人びた内容になっていて、小学生が「楽しむ」には、それなりの金銭感覚や経済、その他の知識が必要であったように思われます。
 実際、当時小学生であった我々が「人生ゲーム」で遊ぶとき、いちばんわからなかった、わかりづらかったのが、“約束手形”の切り方。  少なくとも我々がプレイしたときは、〈金が無いなら無いでいいじゃん〉という暗黙の方式をとりました。つまりどこかのマスに止まって、請求が生じた際、金が無いなら払わなくてもいい、という独自の子供らしい(ある意味安直な)ルールでした。  確かに、プレイ中に他人のドル札が次第に“赤く”染まっていくのを見ればゲームとしては盛り上がる反面、どこか悲壮感が漂うのも事実です。子供時代に「手形を切る」ルールを採用しなくて正解だった――とも思います。
 ちなみに、1980年の2代目「人生ゲーム」のルールでは、「借金」について以下のようになっていました。
《●銀行からの借金 必要に応じて20,000ドル単位として借りることができます。ただし次の場合は例外として借り出せません。
a 賭けをするとき、b 誰かから仕返しをされて100,000ドル払えないとき。
銀行家は20,000ドルごとに赤い約束手形と一緒にドルを貸しだします。借金を返済するときは20,000ドルのおさつに約束手形をつけて銀行に返します。500ドルの利息をとられ…